СКУЛЬПТУРА ПОСТМОДЕРНИЗМА

1. Постмодернизм.
2. Альберто Джакометти. Экзистенциальный стиль.
3. Новый реализм.
4. Хайнц Мак, Отто Пине, Гюнтер Юккер. Использование новых материалов — воды, огня, света и дыма; технического сырья.
5. Художник-кинетист Жан Тэнгли.
6. Жан Мартин, Дариус Хулеа. Арт-объекты из «не скульптурных» материалов — производственных деталей, проволоки, гаек, гвоздей.

1.

Постмодернизм представляет собой направление в искусстве, пришедшее в 1950-е годы на смену модернизму. Постмодернизм возникает одновременно в нескольких развитых странах Америки и Европы и представляет собой художественное течение, являющееся, с одной стороны, продолжением модернизма, а с другой — его преодолением, контрастируя с искусством Нового времени.

Постмодернизм не относится к области философии или истории, не связан с идеологией, не ищет и не утверждает никаких истин. Постмодернизм расценивается как реакция на модернистский культ нового, а также как элитная реакция на массовую культуру. Постмодернизм также рассматривают как реакцию на тотальную коммерциализацию культуры, как противостояние официальной культуре.

Сила образа — это секрет, который в действительности лишен того, что могло бы быть раскрыто, — какого-либо смысла и содержания. Соблазн такого искусства — в намеках на якобы существующую здесь тайну.

Видео Tinguely-Museum Basel

2.

Альберто Джакометти, швейцарский скульптор и художник, проживший большую часть жизни во Франции, в Париже, входит в число легендарных художников ХХ столетия.

Его творчество безошибочно узнаваемо, его имя известно в любой точке земного шара. Без эпатажа и громких деклараций он воплощает в пластических композициях свое мировоззрение. Меняя пропорции человеческого тела, искажая и доводя до абсурда привычное представление о том, как оно должно изображаться, он сумел изменить отношение к скульптуре у целого мира. Поэтому его так часто сравнивают с Пикассо и противопоставляют ему. Оба художника, и Джакометти, и Пикассо, каждый по-своему поставили точку в истории классического искусства. После них никому не придёт в голову работать в традиционной манере — мир художников прочно встал на рельсы модернизма. Известность Джакометти приносит неповторимый собственный стиль в скульптуре, который позже назовут экзистенциальным. Многие скульптурные композиции Джакометти выстроены вокруг ребристых форм, будто спаянных из параллельных планок. Данная скульптура вызывает ассоциации не то с деталями промышленных конструкций неизвестного назначения, не то с музыкальными инструментами.

Позднее Джакометти обращается к работе с натурой, постепенно добиваясь неповторимого уникального виденья человеческого тела и философской глубины. Узкие вертикали почти бесплотных фигур его «зрелого стиля» собирают и удерживают любое пространство — от музейного интерьера до городских площадей.

Живописные и графические работы Джакометти — это тоже почти всегда изображения людей. Складываясь из промежуточных, рабочих, эскизных штрихов в выразительные портреты, они сохраняют процесс поиска истины, сущности модели, передают хрупкость и недолговечность всего живого.

За несколько дней до захвата Парижа немецкими солдатами в 1940 году Джакометти с братом пытаются покинуть город на велосипедах. Колонну беженцев обстреляют из воздуха. Следующие 5 лет Альберто, который окажется непригодным для службы, проведет в Женеве. Он работает в гостиничном номере и лепит крошечные человеческие фигуры. Когда война закончится, он упакует эти скульптуры в спичечные коробки и повезет в Париж. Европа после Второй мировой войны опустошена, разрушена, обескровлена. Люди брошены со всеми своими травмами, невозместимыми потерями, одиночеством, стыдом и отчаяньем. И абстракция часто оказывается единственным языком, подходящим для разговора об этой катастрофе. Альберто Джакометти возвращается в Париже по окончании войны с несколькими спичечными коробками — в этих коробках его скульптуры за несколько прошедших военных лет. Крошечные человеческие фигурки, безликие и хрупкие, почти исчезнувшие. Но в ближайшие несколько лет они начнут расти.

Есть что-то щемящее и символичное в скульптурах этого периода: размер каждой не больше пары сантиметров. Человек, который в сотни раз меньше любого окружающего пространства, куда бы он ни попал. Позже каждую из этих фигур Джакометти установит на необъятную, умножающую одиночество подставку. Это одиночество метафизического свойства, чувство абсолютной внутренней покинутости человека в мире.

Его работы напоминают остовы обгоревших деревянных культовых изваяний, дрожащие отражения в воде или удаленные силуэты, растворяющиеся в тумане. Это высокие, тонкие, практически исчезающие фигуры: идущие мужские и стоящие женские. На поверхности фигур всегда заметны следы пальцев скульптора, очертания небольших фрагментов глины, из которых создавалась, наращивалась фигура на металлическую арматуру.

3.

В конце 1960 года появилось движение Новый реализм, объединившее художников, которые интегрировали повседневную жизнь в искусство и использовали новые методы и материалы. Одним из них был Жан Тэнгли (Jean Tinguely, 1925–1991) — швейцарский художник-кинетист, автор скульптур-механизмов, самодвижущихся и самораспадающихся, хрупких и устрашающих одновременно. Тенгли превращает зрителя в свидетеля непрекращающегося процесса постоянной трансформации, начало и конец которого лежат вне его поля зрения, и созидание в этом процессе становится синонимом уничтожения.

Современное искусство объективно свидетельствует о том, что сложившаяся система представлений больше не видит в художнике творца высших ценностей. Девальвация духовной культуры, очевидно, связана с утверждением иных ценностей. Относительное изобилие и свободы, которыми обеспечило себя общество потребления, показывают, чего в действительности желает человек. Соответственно, творчество утрачивает свое первородство и становится «художественным производством», которое усиливает развлекательную, игровую функции.

В качестве примера подобных экспериментов можно привести творчество художников, создавших в Дюссельдорфе в 1957 году группу Zero. У истоков ее основания стояли Отто Пине и Хайнц Мак, позже к ним присоединился Гюнтер Юккер. Ноль в названии группы не был символом отрицания. Он являлся точкой отсчета, точкой тишины и пустоты, в которой возникал новый, полный надежды и света мир. В 1963 году появился манифест Отто Пине, Хайнца Мака и Гюнтера Юккера, он назывался «Zero — это тишина. Zero — это начало». По мнению одного из членов группы, Хайнца Мака, «счастье начала, легкость, открытость» должны обогатить не только искусство, но и жизнь в целом. Использование новых материалов — воды, огня, света и дыма, а также технического сырья — гвоздей, алюминия, зеркал, стекла и люминесцентных покрытий — открывает реальность как художественное целое, позволяет по-новому воспринимать и переживать ее.

В то же самое время художники группы Zero и их единомышленники всегда стремились к тому, что Гюнтер Юккер называл «миром, где искусство перестает быть делом одиночек», включая зрителей в процесс перфоманса, арт-действия, хэппенинга.

4.

Хайнц Мак экспериментировал с кинетическими возможностями света. Лейтмотивом его творчества являются его световые стелы, которые он располагал в нетронутых пространствах пустынь или открытом море.

Мак обычно использует для создания своих инсталляций полированный алюминий, стекло или пластик. При помощи электрического двигателя обеспечивается нерегулярное движение, которое вызывает игру отраженного света. Мак применяет и многие другие виды материалов, его работы включают скульптуры с использованием воды и ветра. Часто публика могла познакомиться с ними только с помощью видео или фотографии.

Творческий поиск Гюнтера Юккера находит выражение почти в ритуальном отношении к свету и тени, звуку и тишине, движению и статике, создавая из реальных природных материалов и функциональных предметов свою виртуальную среду, свое пространство в собственных временных фазах.

Черное и белое как полюса, между которыми, по словам Казимира Малевича, простирается весь цветовой спектр, доминируют в метафорическом творчестве Юккера, что, несомненно, свидетельствует об обращении к наследию автора «Черного квадрата» и одновременно указывает на увлечение философией дзэн-буддизма. Объединяющая природа белого цвета не только является цветом чистоты и ясности, но и выступает в качестве символического воплощения света, медитативного покоя.

Работы Гюнтера Юккера характеризуются отсутствием цвета, главенствующую роль во многих его работах играет гвоздь, по-своему отражающий свет и темноту. Гвоздь превратился в инструмент, в неотъемлемый образный элемент композиций художника. Вслед за Лючио Фонтана, элегантно прорубившим брешь в холсте, раздвинув тем самым его пространственные и временные параметры, Гюнтер Юккер поначалу с той же целью использовал гвоздь для прорыва двухмерной плоскости.

Затем он методично и формально обоснованно стал превращать гвоздь в самостоятельный модуль, благодаря чему возникли новые серийные структуры.

Самая известная серия Юккера, «Космическое видение» (1961–1981), представляет собой вращающиеся круги, в которые в геометрическом порядке забиты гвозди, которые превращаются в светоотражатели. Они функционируют иначе, чем излучающие свет стелы Мака, но создают сходный эффект.

Отто Пине, сочетавший художественное образование с философской подготовкой, был увлечен взаимодействием искусства и науки. Его работы отмечены особым чувством цвета, выделяются характерным почерком и формой.

5.

Ярким примером данного направления станут работы уже упомянутого художника и скульптора Жана Тэнгли — автора механизмов, собранных из всевозможного промышленного утиля.

Жан Тэнгли называли «создателем мечтающих машин», «мастером поломок, сомнения и случайности». Движение помогло Тэнгли преодолеть проблему выбора и позволило сделать жизнь произведения бесконечной, как и процесс работы над ним. Искусство Тэнгли основано на движении колеса, рождающего бесконечное повторение и изменение, и это два ключевых принципа его работ, которые почти невозможно увидеть в одинаковом виде.

Однако новаторство Тэнгли связано не с самим процессом движения — оно использовалось и до него, в частности Александром Колдером, Марселем Дюшаном и Ман Рэем, — а с тем, что ему удалось удачно соединить кинетизм, готовые объекты массового производства, звук, саморазрушение и зрелищность хеппенига для создания своих «мечтающих машин».

Méta-Harmonie II

Jean Tinguely Museum, Basel Switzerland

Фонтан Стравинского считается одной из интересных и необычных достопримечательностей Парижа. Он представляет собой большой прямоугольный бассейн глубиной всего 35 см, наполненный водой. По его поверхности передвигаются 16 сказочных персонажей: скрипичный ключ, лягушка, шляпа клоуна, русалка, слон, спираль и другие.

Необычный фонтан на площади Стравинского появился в 1982–1983 гг. Идея создания авангардного фонтана принадлежит Пьеру Булезу, французскому композитору и дирижеру, основателю расположенного в Центре Помпиду Института исследования и координации акустики и музыки (IRCAM). Причудливая инсталляция должна была оживить скучное и неинтересное пространство перед Центром Помпиду.

Авторами этого необычного фонтана стали швейцарский скульптор Жан Тенгли и его супруга, французская художница Ники де Сен-Фалль. Необычный монумент посвящен композитору Игорю Стравинскому, который значительную часть жизни провел во Франции и был награжден орденом Почетного Легиона.

Кинетические скульптуры необычных форм двигаются под его музыку из балетов «Весна священная» и «Жар-Птица», как будто разыгрывая сценки из произведений прославленного композитора. Первоначальный план предусматривал, что фонтан будет украшен лишь фантастическими машинами швейцарца, выкрашенными в черный цвет. Однако Тэнгли показалось, что такая композиция будет слишком мрачной, и предложил оживить площадь яркими фигурами в стиле поп-арт. Так появились скульптуры из полиэстера художницей Ники де Сен-Фалль. Черные механизмы, сочетающие шестеренки и колеса со шлангами, цикл за циклом повторяют замысловатые движения. Торчащие из воды огромные яркие фигуры время от времени выпускают струйки воды. Смотреть на все это увлекательно и забавно. Все скульптуры выполнены из пластика и легких металлов.

6.

Одним из актуальных направлений постмодернистского искусства является создание арт-объектов из «не скульптурных» материалов — производственных деталей, проволоки, гаек, гвоздей, механизмов, технического сырья, промышленных отходов, вторично используемых материалов, и сосуществование их в самых разнообразных комбинациях с любыми объектами. Таковы скульптуры молодого французского художника Жана Мартина, созданные из множества однообразных металлических элементов.

Прекрасно смотрятся на фоне природы произведения из проволоки румынского скульптора Дариуса Хулеа и многих других современных авторов. Дариус Хулеа работает с необычным материалом. Автор использует для своих работ все виды металла — нержавеющую сталь, железо, медь, латунную проволоку.

Металлические прутья вдохновляют мастера по многим причинам. Прежде всего, они очень пластичны — их можно изгибать, как душе угодно, и в итоге получить максимально интересный и оригинальный результат. Кроме того, смотрятся скульптурные портреты так, как будто их начали рисовать карандашом, но по какой-то причине не закончили. Неудивительно, что талант Дариуса снискал ему множество поклонников по всему миру. Его проволочные композиции представляют собой смесь классики и постмодерна, при этом его металлические портреты знаменитостей безошибочно узнаваемы.

Использованные источники:

• Википедия. Скульптура. Новейшее время.
• Википедия. Новый реализм
• Энциклопедия Кругосвет. Постмодернизм
• Николай Новиков. «Эрнст Неизвестный: искусство и реальность» Chalidze Publications New York 1981
• studme.org. Постмодернизм
• Информационный канал subscribe.ru
• artchive.ru  Шагающий человек
• bigpicture.ru
• static.boredpanda.com
• hobbysalon.ru Достопримечательности Базеля
• Музей ТЕНГЛИ. Базель
• cultobzor.ru. Выставки.Группа Zero